Dotée d’une voix exceptionnelle et angélique s’étirant sur cinq octaves et excellant dans la voix de sifflet, le registre le plus aigu que puisse produire l’être humain, Minnie Riperton berça les années 1970 avec des chansons à la fois suaves et sensuelles, orchestrées et arrangées avec beaucoup de sophistication. Cette chanteuse afro-américaine aurait pu avoir une très longue carrière et une reconnaissance beaucoup plus large de son vivant. Mais la vie en décida autrement. Elle mourut à seulement 31 ans des suites d’un cancer, laissant derrière elle un mari éploré, deux enfants et des fans, dont Stevie Wonder, inconsolables.

Reine de la voix de sifflet

Minnie Julia Riperton naquit le 8 novembre 1947 à Chicago, la benjamine d’une famille de huit enfants. Son père Daniel, qui travaillait pour les wagons-lits, et sa mère Thelma se rendirent compte très vite du don exceptionnel de leur petite dernière pour les arts en général, et la musique en particulier. Minnie fut inscrite d’abord en cours de danse classique et moderne, mais elle changea rapidement son fusil d’épaule. Parallèlement à sa scolarité, elle reçut une solide formation de chant lyrique, insistant sur la maîtrise de la respiration et du phrasé. Cette soprano colorature avait un don rare : elle pouvait parcourir cinq octaves grâce à sa capacité innée et sa facilité époustouflante pour chanter en voix de sifflet, aussi appelé registre de flageolet. Cerise sur le gâteau : elle y excellait tout particulièrement dans la prononciation de mots, chose très rare. Minnie Riperton, qui faisait partie d’une chorale qui chantait seulement a cappella, se destinait à une carrière de chanteuse d’opéra.

Choriste d’Etta James

Mais l’amour de la soul et du rhythm and blues fut plus fort. Après avoir terminé le lycée, la jeune femme s’inscrivit à l’université, mais elle en quitta les bancs quelque temps plus tard, dans le but de devenir une professionnelle de la musique. Elle avait déjà un peu d’expérience en la matière, puisque dès 1963, elle avait intégré un groupe de filles local, The Gems, qui signa un contrat chez Chess Records. Mais leur succès resta très confidentiel (ici « All Of It »). Les filles furent surtout sollicitées pour chanter les chœurs sur des disques de vedettes de l’époque, dont Etta James. En 1968, la formation fut rebaptisée The Starlets, juste le temps de sortir un dernier disque.

Quand Minnie Riperton rencontre Richard

Minnie Riperton se lança alors dans une carrière solo sous le pseudonyme d’Andrea Davis et connut un succès d’estime avec « Lonely Girl », avant de rejoindre Rotary Connection, un groupe de funk, soul et rock aux accents psychédéliques, créé en 1967 par Marshall Chess, le fils du fondateur de Chess Records, Leonard. Sa spécialité ? Revisiter de façon très originale les hits de l’époque, comme « Respect » d’Aretha Franklin ou « Lady Jane » des Rolling Stones. Mais c’est leur propre création « I Am the Black Gold Of the Sun », où Minnie Riperton s’illustra dans les chœurs, paru sur leur dernier album, « Hey, Love », sorti en 1971, qui marqua les esprits. Le coauteur de la chanson, Richard Rudolph, tomba amoureux de la jeune femme.

Un premier album floral

Bien que Minnie Riperton ne soit que l’une des voix de ce collectif, le producteur et arrangeur Charles Stepney, qui avait aidé Marshall Chess à identifier les différents membres du groupe — et qui produirait peu après des albums primés pour Earth, Wind & Fire, avant de succomber à une crise cardiaque en 1976 — sut percevoir tout le potentiel et le grand talent de la jeune interprète. Il écrivit, arrangea et produisit son premier album, « Come to my garden », sorti en 1970, avec notamment « Les Fleurs », où la chanteuse narrait l’histoire d’une fleur s’épanouissant, une métaphore pour évoquer le moment où chacun peut développer totalement son potentiel. Un thème bien illustré par une orchestration riche et sophistiquée, un écrin parfait pour que Minnie époustoufle les auditeurs avec sa voix de sifflet.

Stevie Wonder ensorcelé

Malheureusement, ce premier album solo ne rencontra pas le succès escompté — alors qu’il est désormais considéré comme un chef-d’œuvre par de nombreux critiques et connaisseurs… Minnie, qui avait épousé Richard Rudolph entre-temps, était devenue la mère de Marc, né en 1968, puis de Maya, qui vit le jour quatre ans plus tard en Floride. Après une pause de deux ans, la jeune maman souhaita reprendre sa carrière de choriste. Elle déménagea donc en 1973 avec sa famille à Los Angeles, sans trop savoir ce qu’elle allait y faire. La jeune femme rejoignit vite les rangs de Wonderlove, une formation qui accompagnait Stevie Wonder en tournée notamment.

La consécration avec « Lovin’ You »

Ce dernier, tombé sous le charme de la voix et du talent de Minnie depuis l’époque de Rotary Connection, produisit (sous le pseudonyme d’« El Toro Negro ») son nouvel album, intitulé « Perfect Angel », qui sortit en 1974. Ce génie musical en signa en outre deux morceaux, « Take a Little Trip », ainsi que la chanson ayant permis de baptiser le 33 tours. Les trois premiers extraits restèrent confidentiels, jusqu’à la sortie en avril 1975 de « Lovin’ You », qui propulsa Minnie Riperton  en tête de ce qu’on appelait alors le hit-parade, non seulement aux États-Unis, mais aussi dans vingt-quatre autres pays. Ce tube, vendu à plus d’un million d’exemplaires, valut à son interprète le surnom de « la femme à la voix aiguë et aux fleurs dans les cheveux ».

Ses surnoms en attestent : la réputation de la comtesse Báthory, née le 7 août 1560 à Nyírbátor, en Hongrie, était pour le moins exécrable. Comtesse sanglante, comtesse Dracula… S’agissait-il de la première femme tueuse en série ? Et pourquoi Erzsébet Báthory (ou Élisabeth en français) aurait-elle décimé les jeunes paysannes de son domaine puis les héritières de la petite noblesse locale ? Les mauvaises langues disent que c’était pour se baigner dans leur sang, afin de rester éternellement jeune… Alors, info ou intox ?

Mariée à quatorze ans

Élisabeth Báthory grandit dans le château d’Ecsed, aujourd’hui situé dans le comitat hongrois de Szabolcs-Szatmár-Bereg, dans le nord-est du pays. À onze ans, on la fiança au comte Ferenc Nádasdy, de cinq ans son aîné. Leurs épousailles furent célébrées en mai 1575.

Pour ses noces, la comtesse Báthory reçut en cadeau de la part de son jeune époux le château de Csejte, près de Trecsén — aujourd’hui situé en Slovaquie —, ainsi que les douze villages et les champs avoisinants. Une propriété que le jeune homme avait achetée au souverain Rodolphe II du Saint Empire. Cultivée, Élisabeth lisait et écrivait en au moins quatre langues. Avec Ferenc, ils eurent six enfants, dont seuls trois atteignirent l’âge adulte : deux filles, Anna et Katalin, et un garçon, Pál.

Doté d’un tempérament belliqueux, courageux mais cruel, l’époux d’Élisabeth fut nommé en 1578 commandant en chef des troupes hongroises. Le pays se trouvait alors sous le joug d’un conflit âpre et sanglant opposant les Habsbourg aux Ottomans, suite à la défaite hongroise de Mohács en 1526 — véritable catastrophe nationale qui eut pour principal effet la disparition de la Hongrie indépendante. La question de la frontière entre la Hongrie royale, appartenant désormais aux Habsbourg, et la Hongrie ottomane, faisait depuis lors rage.

Une réputation vite ternie

Pendant que Ferenc passait son temps à guerroyer les Turcs, la comtesse Báthory, livrée à elle-même, se chargea de la gestion du domaine, et ce avec une grande efficacité. Même si elle était éloignée des combats, elle en subissait aussi les conséquences. Par exemple, en 1599, elle prit sous sa protection les veuves des villageois tués par l’assaillant turc, qui avaient tout détruit sur leur passage, saccageant et mettant le feu aux habitations, ainsi que les femmes et les jeunes filles violées et dépouillées de toutes leurs possessions par l’envahisseur.

C’est à partir de ces années-là que la réputation d’Élisabeth prit des teintes de plus en plus sombres… Ainsi, entre 1602 et 1604, un pasteur luthérien se rendit plusieurs fois jusqu’à Vienne pour se plaindre publiquement des atrocités que commettrait sur ses terres la comtesse Báthory. Sans doute protégée par son nom ainsi que par l’influence de son époux, Élisabeth ne fut pas mise en danger par ces accusations. Du moins pas immédiatement.

Enquête à charge contre la comtesse Báthory

En 1604, Ferenc rendit l’âme dans sa ville natale de Sárvár, aujourd’hui dans l’ouest de la Hongrie, sans doute des suites d’une blessure de combat — même si d’autres raisons ont été invoquées : plus sulfureux, il aurait succombé aux coups portés par une prostituée ou à ceux de Giorgio Basta, un général du Saint-Empire Romain Germanique d’origine albanaise et gouverneur de Transylvanie de 1601 à 1604.

À partir de cette disparition, Élisabeth régna seule et en maîtresse-femme sur ses terres. Six ans plus tard, les allégations sur les monstruosités dont se serait rendue coupable la comtesse la rattrapèrent cependant. Enfin convaincu d’agir, l’empereur Matthias I^er chargea le Palatin de Hongrie — plus haut dignitaire du royaume après le roi —, György Thurzó, de mener l’enquête. Ce dernier rendit une visite surprise à la comtesse Báthory au début de l’année 1610, puis chargea deux notaires de rassembler des preuves à charge.

Quelles étaient donc les atrocités en question ? Passages à tabac, brûlures et mutilations en tout genre, morsures, exposition au froid, ou encore dénutrition, le tout jusqu’au passage à trépas. Les premières victimes de la comtesse auraient été, pour commencer, de jeunes paysannes de la région, devenues servantes au château, car attirées par une promesse de bonne paie. Puis il se serait agi de filles de la petite noblesse venues pour apprendre l’étiquette dans le gynécée d’Élisabeth.

Assignée à résidence

Comme il était impensable de jeter l’opprobre sur la famille Báthory, très influente, le Palatin n’attendit pas que les conclusions des deux notaires soient rendues pour commencer à négocier avec Élisabeth, son fils Pál et ses deux gendres. Après la découverte sur les terres de la comtesse de cadavres de jeunes filles portant des traces de blessures, des poursuites furent engagées contre elle et quatre membres de son personnel.

Ces derniers furent torturés pour les aider à « cracher leur Valda » et ainsi obtenir les preuves nécessaires à une inculpation, puis à un jugement de mise à mort par les flammes pour trois d’entre eux en janvier 1611. La comtesse Báthory, elle, fut assignée à résidence ad vitam æternam.

Qui était Florence Foster Jenkins ? Une diva de pacotille, une chanteuse à la voix si fausse et désagréable qu’elle pouvait réveiller les morts ou plutôt les inciter à rester bien tranquillement dans leur tombe. Des décennies durant, elle sévit sur les planches, brisant sans doute les tympans de tous les mélomanes éclairés, et faisant surtout beaucoup rire à ses dépens… Cette Américaine faillit même mourir sur scène. Une fin que ce personnage fantasque aurait sans doute adorée.

Un don pour le piano

Narcissa Florence Foster naquit le 19 juillet 1868 à Wilkes-Barre, en Pennsylvanie, dans une famille très aisée : son père, Charles Dorrance Foster, était avocat et propriétaire terrien. Sept ans plus tard, la famille s’agrandit avec l’arrivée d’une petite sœur, Lilian. Mais celle-ci mourut en 1883

L’aînée, redevenue enfant unique, rêvait depuis qu’elle avait atteint l’âge de raison de se produire sur scène. Florence — elle se débarrassa de Narcissa très vite pendant l’enfance — prit des cours de piano très jeune. Visiblement douée, elle put jouer dans toute la Pennsylvanie à partir de l’âge de huit ans, et fut même admise à démontrer ses talents à la Maison-Blanche, occupée alors par Rutherford B. Hayes !

La syphilis en guise de dot

Après avoir terminé le lycée, Florence n’avait qu’une idée en tête : partir étudier la musique en Europe pour devenir concertiste. Le veto de son père enragea la jeune fille, qui, en guise de représailles, fugua pour épouser un médecin bien plus âgé qu’elle, Frank Thorton Jenkins. Le couple emménagea à Philadelphie.

La vie maritale n’apporta pas vraiment l’émancipation à Florence, car Frank, à l’instar de son beau-père Charles, n’encourageait apparemment pas les velléités musicales de Florence. Ce qui est sûr, c’est qu’il lui fit un cadeau empoisonné : la syphilis.

Florence Foster Jenkins enfin libre !

Incapable de vivre sans musique, Florence Foster Jenkins s’improvisa professeur de piano, rêvant toujours de devenir concertiste. Mais elle se blessa un jour au bras et son souhait, si cher à ses yeux, ne put jamais se concrétiser. Au sein du foyer Jenkins, l’ambiance était devenue très morose. On ne sait si Florence divorça ou pas, mais elle décida en tout cas de quitter son mari pour s’installer à New York, au début des années 1900.

Pour vivre, la jeune femme continua à enseigner la musique et se produisit sur scène en tant que pianiste. À partir de 1909, la chance tourna enfin. Sa mère Mary Jane, dont Florence était très proche, rejoignit sa fille à New York. Charles venant de passer de vie à trépas, il avait en effet « libéré » son épouse et surtout laissé une fortune considérable à ses deux héritières.

La passion du chant

Désormais débarrassée des vulgaires contraintes matérielles, la toute jeune quadragénaire se mit en tête de devenir chanteuse lyrique. La même année, Florence Foster Jenkins fit la rencontre d’un sujet de sa Majesté de huit ans son cadet, un acteur nommé St. Clair Bayfield. Celui-ci devint son manager et le couple légalisa plus tard son union en « common-law marriage », ou « mariage de droit commun », une pratique courante dans certains pays anglo-saxons, l’équivalent de notre concubinage notoire.

Déterminée à vivre sa passion jusqu’au bout, Florence commença à multiplier les cours de chant. Et pour se faire connaître, elle intégra différents clubs et cercles mondains — dont certains exclusivement féminins — de New York, allant même jusqu’à créer le sien, le Verdi Club.

Une Walkyrie en devenir

Florence avait le goût du théâtre et surtout cultivait l’art de sa propre mise en scène : au sein de ses différents clubs ou chez elle, elle s’amusait à composer des « tableaux vivants », sortes de reconstitutions de moments historiques, d’extraits d’opéra ou encore de célèbres tableaux de maîtres. Le but ? Être photographiée, par exemple en Brunehilde, revêtue d’une armure et d’un casque, digne héritière des vierges héroïnes wagnériennes. Peu importait le ridicule, car il ne tue pas, n’est-ce pas ? Cette Walkyrie en devenie ne se souciait nullement du qu’en-dira-t-on. Même quand elle décida de faire enfin profiter ses nombreux amis de ses prétendus talents de chanteuse.

Des capacités peu communes…

Florence Foster Jenkins commença à donner ses premiers concerts vers 1912. Et c’est là que naquit sa légende, car cette chanteuse-là était ni plus ni moins un phénomène. Non seulement elle n’avait aucune oreille et donc chantait totalement faux, mais en plus son sens du rythme était inexistant et sa prononciation, surtout des textes étrangers, complètement ridicule.

Mais persuadée d’être un véritable rossignol, une diva aux vertus musicales exceptionnelles, Florence se produisit devant le public de ses différents clubs pendant plus de trente ans ! Laissant libre cours à son extravagance, elle montait sur scène dans des costumes extraordinaires qu’elle créait elle-même. La mort de Mary Jane en 1930 lui permit d’hériter de nouveau de fonds, bienvenus pour continuer à vivre sa passion du lyrique.

C’est l’histoire d’un chat de luxe, Choupette Lagerfeld. Karl Lagerfeld, son fameux maître et grand créateur devant l’Éternel, partit en 2019 rejoindre sa principale égérie, Coco Chanel. En 2014, les éditions Flammarion publièrent un livre à la gloire de la seule féline qui compta un jour pour le Teuton du catwalk. Cela m’inspira alors une sorte de chronique quelque peu acerbe, avouons-le, que je vous livre remaniée en ce début 2026. Désormais, la noble et orpheline Choupette est une « chatonne » âgée de quatorze ans, qui ronronne paisiblement grâce à son héritage pharaonique…

L’univers chic et strass de Choupette Lagerfeld

Il était quand même sympathique ce Karl Lagerfeld, avec son débit saccadé, son accent teuton reconnaissable entre tous, son catogan poudré, si délicieusement vieille France, et ses canettes d’une affreuse boisson pétillante maronnasse édulcorée à l’aspartame (un poison violent, si, si !). On aimait bien, certes avec parcimonie, l’entendre narrer son univers chic et strass, ses « first world problems », et ses opinions bien tranchées sur des sujets on ne peut plus futiles ou parfois importants — on se souvient de sa saillie en 2008 sur le gilet jaune  !

Mais quand il décida de faire coucher sur le papier les aventures de sa Choupette, une chatte sacrée de Birmanie qui vint égayer sa vie quelques mois après sa naissance le 15 août 2011, je fus prise d’une soudaine envie — bien entendu vite contenue — de mettre le feu aux boutiques Chanel et consorts. Flammarion sortit en effet en septembre 2014 un ovni de 144 pages consacré à la dernière excentricité à poils de Karl : Choupette, la vie enchantée d’un chat fashion, signé Patrick Mauriès et Jean-Christophe Napias, auteurs en 2013 du Monde selon Karl.

Un monument de la littérature, sans nul doute passionnant : Choupette Lagerfeld et ses croquettes, Choupette et sa litière — oui, en dépit de son statut de star, Choupette évacue elle aussi ses besoins —, Choupette et sa passion pour les rubans et les morceaux de papier, Choupette et ses miaulements si tendance, Choupette et ses secrets pour garder son poil si doux, etc.

Grâce au cinéma, Clara Bow échappa de peu à l’usine ou, pire, à un destin tout tracé de péripatéticienne. Juste avant Jean Harlow et bien avant Marilyn, qui fut son héritière la plus naturelle, cette rousse explosive porta quelques années durant la couronne du premier véritable sex-symbol de l’histoire du cinéma américain.

Celle qui faisait fantasmer les hommes et dont les femmes voulaient toutes faire leur amie vécut librement et le revendiqua haut et fort. Mais après une série de scandales plus ou moins inventés par les tabloïds, l’« It Girl », tomba dans les oubliettes une fois le parlant venu. Et vécut les trois décennies suivantes dans une bataille quotidienne contre la psychose qui l’emporta dans la tombe.

Une mère psychotique

Les deux sœurs aînées de Clara Bow étant mortes en bas âge avant la naissance de cette dernière, le médecin avait conseillé à sa mère, Sarah, de ne plus avoir d’enfant. Mais celle-ci tomba enceinte à la fin 1904. Pendant l’été, New York subit une forte canicule et la mère et le bébé faillirent périr pendant l’accouchement, dans une chaleur étouffante de près de 40 °C à l’ombre, le 29 juillet 1905. La petite fille passa une enfance misérable à Brooklyn, entre un père absent, Robert, et sa mère psychotique.

La famille Bow vécut dans quatorze endroits différents entre 1905 et 1923, toujours dans le même quartier miséreux. La petite fille n’avait pas cinq ans lorsque son père perdit son travail. Pour arranger le tout, le mariage de ses parents était malheureux : Sarah n’aima jamais Robert, qui lui vouait, lui, un amour très fort. De désespoir, il préféra déserter le domicile conjugal, qu’il regagnait rarement.

La révélation de Clara Bow

En 1921, Sarah chuta du premier étage et fut gravement blessée à la tête. C’est sans doute là que fut découverte sa schizophrénie. Clara vivait depuis l’enfance avec la crainte des fréquentes crises incompréhensibles que piquait sa mère. En raison de son état, cette dernière ne put prendre normalement soin de son enfant. Ce fut au contraire la petite fille qui dut s’occuper de Sarah…

À l’école, Clara Bow était moquée par ses camarades en raison de ses vêtements, qui ne pouvaient dissimuler sa pauvreté. Elle préféra donc rapidement la compagnie des garçons, avec qui elle aimait faire du sport. Elle était si douée qu’elle envisagea un temps de devenir professeur d’éducation physique. Assez solitaire et isolée, l’adolescente ne trouvait de bonheur qu’en allant voir des films.

À seize ans, elle eut une révélation : elle serait une star de cinéma. Provoquant la colère de sa mère, elle envoya un jour sa photo à un magazine qui organisait un concours et remporta le premier prix. À la clé, un petit rôle, mais pas de contrat.

En danger de mort

Encouragée par son père, qui l’aimait profondément, Clara fit le tour des agences d’acteurs et des studios, mais elle ne plut à personne. Le verdict était toujours le même : trop jeune, trop petite ou trop grosse… L’envie de l’adolescente de devenir actrice ne plaisait décidément pas à sa mère, qui lui dit même un jour qu’elle préférerait qu’elle meure ! Il s’en fallut de peu pour que ce souhait macabre ne devienne réalité.

En effet, une nuit de février 1922, Clara se réveilla en sursaut. Sa mère tenait un couteau plaqué sur sa gorge. Mais la jeune fille réussit à maîtriser Sarah et à l’enfermer à double tour dans une autre pièce. Le lendemain matin, cette dernière ne se souvenait de rien. Elle fut rapidement internée et mourut le 5 janvier 1923 d’épilepsie.

La garçonne dans toute sa splendeur

Six mois plus tard, la jeune fille fit ses adieux à son père et à la côte Est. Direction Hollywood ! À l’issue de deux années de patience et de persévérance, elle décrocha enfin un contrat à la Preferred Pictures, puis à la Paramount à partir de 1925. À vingt ans, Clara Bow rencontra enfin le succès. Rien d’étonnant à cela : son beau visage de bébé et ses grands yeux flirtaient avec passion avec le grand écran.

Extrêmement douée pour bouger naturellement devant la caméra, elle lançait des petits sourires sous-entendeurs à la ronde. Surtout, elle personnifiait à merveille la femme moderne, insouciante, énergique, à l’indépendance chevillée au corps. C’était la garçonne dans toute sa splendeur, la femme idéale des années 1920, à la fois légère et superficielle en apparence, mais cachant un profond sentiment de tragédie mâtiné de désillusions.

Petite princesse de la classe ouvrière

Contrairement aux vamps, mystérieuses et forcément fatales, comme Theda Bara ou Pola Negri, la comédienne avait les cheveux courts et portait des robes du même acabit. Distribuant sa joie de vivre tout autour d’elle, elle avait raison de toutes ses cibles. Clara Bow plaisait particulièrement à la classe ouvrière, qui se retrouvait en elle, et devint rapidement le modèle à suivre des centaines de milliers d’Américaines qui allaient toutes les semaines au cinéma.

Sa popularité était aussi due à sa simplicité. Contrairement à certaines de ses collègues, elle ne s’inventait pas des origines nobles, mais racontait la vérité aux journalistes. Tout le monde l’adorait : les hommes voulaient en faire leur petite amie et les femmes leur confidente. Ainsi, à partir du jour où les magazines révélèrent qu’elle était rousse (difficile de s’en rendre compte dans des films en noir et blanc…), les ventes de henné passèrent du simple au triple !

Quant aux personnes âgées, elles voyaient en elle une manifestation de l’arrivée imminente de la fin du monde, ce qui constituait un signe de plus que Clara Bow avait tout pour plaire au cinéma.

La comète du cinéma muet

À partir de 1925, Clara Bow devint une figure incontournable du cinéma. Cette seule année, elle fut à l’affiche de quinze films ! Dans ces muets, dont certains sont devenus des classiques, elle tenait des rôles où sa jeunesse, son impertinence et sa tendance à flirter étaient particulièrement mises en valeur.

Elle devint rapidement le symbole de la garçonne dans des films comme The Plastic Age en 1925 ou encore Dancing Mothers l’année suivante. Dans Mantrap, en 1926, la tendance maladive de son personnage à flirter avec tous les hommes lui fit connaître une fin tragique. Et dans Wings, un grand succès de 1927 — le premier long-métrage récompensé par un Oscar dans la catégorie « Meilleur film » — elle incarnait une jeune fille qui se battait pour attirer l’attention dans un monde d’hommes. D’après Clara, elle était « la cerise sur le gâteau » dans ce film, où elle n’hésita pas à se dénuder, ce qu’elle regretta plus tard.

Et Dieu créa l’« It Girl »

C’est en 1927 que Clara Bow atteignit son apogée, triomphant dans It, un film adapté d’un article d’Elinor Glyn. À partir de là, la jeune actrice fut surnommée l’« It Girl », autrement dit celle qui avait du charme, du sex-appeal et la jeunesse. Dans ce film, elle avait endossé les habits d’une vendeuse de grand magasin très courageuse, qui voulait mettre son patron dans son lit.

Un personnage osé, drôle et sexy, comme Clara Bow. Après avoir vu le film, des milliers de fans énamourés envoyèrent des missives enflammées à leur idole, l’adressant tout simplement à « Miss It, Californie » ou « The It Girl ». Leur destinataire les reçut toutes !

Comme elle ne réservait pas sa joie de vivre pour le seul grand écran, la nouvelle coqueluche de Hollywood devint la cliente idéale des tabloïds. La jeune femme sortait beaucoup et se couchait souvent à l’aube, passant des nuits entières à jouer de l’argent. Sa vie amoureuse dépassait la fiction de tous ses rôles. Elle négocia même l’absence d’une clause de moralité dans son contrat avec la Paramount.

Quelques années avant la Grande Guerre, Jules Bonnot terrorisa la France avec ses complices assoiffés de sang pendant quelques mois seulement, avant de finir ses jours en hors-la-loi jusqu’au-boutiste à 35 ans à peine. Ce gangster avait tout du criminel, mais était-il vraiment un anarchiste ? La profondeur toute relative de ses idées politiques permet d’en douter.

Ce fut en tout cas le mouvement libertaire qui lui donna le prétexte ou l’élan de se lancer à corps perdu dans la lutte contre les criantes inégalités sociales de la Belle Époque. Même si cela signifiait, pour défendre ses idéaux, d’user de la violence et de vivre sur la brèche, dans l’illégalité la plus revendiquée.

Rebelle un jour, rebelle toujours

Jules-Joseph Bonnot naquit le 14 octobre 1876 dans le Doubs, à Pont-de-Roide. Il vécut une enfance miséreuse et marquée par les coups durs : quand sa mère décéda, il n’avait pas quatre ans. Il fut laissé, avec son frère aîné Justin Louis, entre les mains de leur père, un ouvrier fondeur analphabète.

En dépit de son intelligence, l’enfant ne fit pas long feu à l’école et son instituteur ne le regretta sans doute pas, le qualifiant de brutal avec ses camarades, indiscipliné, insolent et paresseux. Seule solution pour le jeune Jules : entrer en apprentissage aux usines Peugeot, à 14 ans. Mais le travail difficile et ingrat, très peu pour lui ! Il ne montra aucun entrain à la tâche, bien au contraire. Comme à l’école, il se rebella contre l’autorité et n’hésita pas à donner son point de vue à ses différents patrons.

Jules Bonnot, proxénète en culotte courte

 Dès ses 15 ans, Jules Bonnot connut sa première condamnation, pour avoir pêché avec un engin prohibé. Bis repetita quatre ans plus tard à l’occasion d’une bagarre dans un bal. Entre-temps, son père s’était remarié et avait eu trois autres enfants, ouvertement détestés par le rebelle en herbe. Un jour, il frappa l’un d’entre eux et ce fut la goutte d’eau qui fit déborder le vase. Bonnot père le chassa définitivement du foyer familial. Jules prit alors la direction de Nancy, où il s’acoquina avec une prostituée. La police repéra rapidement le proxénète en herbe, qui fut contraint de quitter les lieux.

À l’époque, le mouvement anarchiste connaissait un fort développement dans toute l’Europe et les attentats contre les personnalités de la haute société, les têtes couronnées et les hommes politiques — ainsi du président de la République, Sadi Carnot, en 1894 — se multipliaient. Conscient de la difficulté de sa classe sociale à se sortir de la misère, Jules Bonnot embrassa cette cause avec toute sa colère et sa haine pour le système en place.

Bienvenue en enfer

À 21 ans à peine, Jules Bonnot écopa d’une nouvelle condamnation à quelques mois de prison pour « coups, outrage et rébellion », avant d’être appelé à la fin de l’année 1897 sous les drapeaux pour faire son service militaire. Bizarrement, il en sortit au bout de trois ans avec un certificat de bonne conduite, ainsi qu’un brevet de tireur d’élite. S’était-il assagi ? On aurait pu le croire, d’autant qu’il se maria quelques mois plus tard, en août 1901, avec une couturière nommée Sophie Burdet.

Cependant, le suicide par pendaison de son frère aîné en 1903, le cœur brisé par une déception amoureuse, ramena probablement le rebelle dans le mauvais chemin. Décidément, la vie était trop difficile et sans espoir ! Alors pourquoi ne pas faire payer tous les autres ? L’anarchisme semblait lui tendre les bras. À partir de cette époque, Jules Bonnot commença à militer sérieusement au sein de cette mouvance libertaire. Cet engagement lui valut d’être renvoyé des chemins de fer de Bellegarde, où il avait réussi à trouver un emploi. La descente aux enfers pouvait commencer.

Mécanicien agitateur

En France, sa réputation sulfureuse le desservit tant qu’il ne put plus trouver d’emploi. Il fut contraint de tenter sa chance en Suisse voisine, où il devint rapidement mécanicien, à Genève. Quand Sophie accoucha de leur premier enfant, Émile, le couple Bonnot se réjouit. Cependant le bébé succomba au bout de quelques jours, ce qui affecta beaucoup les parents. Jules se consacra encore plus à son activité syndicale, qu’il n’avait pas abandonnée en émigrant chez les Helvètes.

Bien au contraire. Tout comme en France, il fut catalogué anarchiste, ce qui lui valut une étiquette d’agitateur. Il fut bientôt expulsé de Suisse. De retour dans l’Hexagone, Jules Bonnot réussit à retrouver une place de choix, grâce à son grand talent pour la mécanique, au sein des équipes du grand constructeur automobile Berliet, à Lyon.

La radicalisation de Jules Bonnot

En février 1904, Sophie lui donna un second fils, Louis Justin. Malgré la joie paternelle retrouvée, le jeune homme ne réussit pas à s’assagir. Au contraire, ses démons le reprirent de plus belle. Ne cessant de dénoncer toutes les injustices subies par la classe ouvrière, il déclencha et mena plusieurs grèves. De quoi déplaire profondément à ses patrons, qui le renvoyèrent à sa passion revendicatrice. La police, elle, le ficha, le qualifiant de « très violent et méchant ». Résolu à continuer la lutte coûte que coûte, Jules prit avec sa famille le chemin de Saint-Étienne.

Dans la préfecture de la Loire, il retrouva un emploi de mécanicien. Pour se loger, il fut contraint de demander l’asile au secrétaire de son syndicat, un certain Besson, qui l’accueillit chez lui avec sa famille. Son hôte se montra tellement content de donner l’asile à la famille Bonnot, qu’il décida d’en profiter pleinement : très vite, Sophie devint sa maîtresse.

Le sieur Besson, craignant le courroux de l’anarchiste, décida de plier bagage, se réfugiant en Suisse avec la jeune femme et le petit Louis Justin. Désespéré, Jules envoya en vain de nombreuses missives à son épouse, qui ne revint jamais. Il ne lui restait plus que son engagement politique. De plus en plus radicalisé, il perdit son emploi.

Chauffeur du père de Sherlock Holmes ?

De nouveau chômeur, dénué de toute aide, Jules Bonnot, à peine trentenaire, sombra dans la misère. Comme il fallait bien vivre, il reprit ses activités illégales, cette fois plus sérieusement. S’associant avec un jeune boulanger italien, Joseph Platano, il commit plusieurs casses. En 1910, il se rendit à Londres pour rendre visite à des collègues anarchistes. Selon la légende, c’est alors qu’il devint temporairement le chauffeur d’Arthur Conan Doyle, le père de Sherlock Holmes. Une affirmation jamais prouvée…

À la fin de l’année, le malfrat retrouva Lyon et ses activités illégales, toujours flanqué de son fidèle complice. Pour échapper à la police qui le coursait à cheval ou à vélo, Bonnot eut l’idée géniale de voler un véhicule. Les deux criminels prirent la poudre d’escampette, en direction de Paris.

Pourtant Jules arriva seul dans la capitale. Platano mourut en route, dans des circonstances non élucidées. D’après Bonnot, il se blessa grièvement avec son propre revolver et en bon ami, Jules l’aida à abréger ses souffrances… Cependant, l’Italien avait une grosse somme d’argent sur lui, issue d’un récent héritage. De là à imaginer que l’anarchiste prémédita le coup, il n’y a qu’un pas.

Allez, avouez-le : vous ne pourriez plus vivre sans vos précieux GPS, Bluetooth, et autre wifi, n’est-ce pas ? Sans le cerveau d’une certaine Hedy Lamarr, surnommée « la plus belle femme du monde » du temps de sa splendeur hollywoodienne, saviez-vous que tous ces gadgets technologiques, devenus nos inséparables compagnons du quotidien, n’auraient peut-être pas vu le jour  ?

Premier orgasme du grand écran

La future Hedy Lamarr naquit Hedwig Kiesler le 9 novembre 1914 à Vienne, dans une famille de Juifs convertis au catholicisme. Son père, Emil, dirigeait une banque, tandis que sa mère, Gertrud, était une pianiste issue d’une grande famille juive de Budapest. Scolarisée à la maison, Hedy parlait déjà quatre langues à l’âge de dix ans ! Choyée par ses parents, qui ne lui refusaient rien, la jeune fille choisit rapidement de faire carrière au théâtre et au cinéma.

Dès 1933, Hedy Lamarr créa le scandale, s’octroyant une réputation sulfureuse : dans le film du réalisateur tchèque Gustav Machaty, intitulé Extase, Hedy apparut en effet sur l’écran dans le plus simple appareil, alors qu’elle nageait, puis courait à travers champs et dans une forêt. Surtout, elle y simula un orgasme — scène sulfureuse si l’en est à l’époque, mais qui, selon les standards actuels, semble désormais extrêmement innocente… En tout cas, d’après les mémoires de l’actrice, ses manifestations de passion étaient en fait dues au réalisateur qui lui aurait piqué les fesses avec une épingle à nourrice !

De Mussolini à Hitler

Alors qu’elle était un peu dépassée par sa toute récente notoriété, la jeune Hedy céda à la cour effrénée d’un magnat autrichien de l’armement, l’héritier richissime Friedrich Mandl. Ils convolèrent en justes noces le 10 août 1933. Très possessif, le premier des six maris (!) de la future star hollywoodienne enferma progressivement sa jeune épouse dans une prison dorée.

La légende prétend que Friedrich racheta toutes les copies d’Extase qu’il put trouver. Pro-fasciste, il vendait beaucoup d’armes à Mussolini et entretenait des relations sociales et d’affaires avec le régime fasciste italien comme avec celui de Hitler. Les deux dictateurs auraient même été invités plusieurs fois chez les Mandl.

Voulant toujours surveiller son épouse, Friedrich l’emmenait à ses réunions de travail, réunissant des scientifiques et des experts en technologie militaire. C’est là que le goût de Hedy Lamarr pour les sciences appliquées se révéla à elle. Cependant, ne supportant plus les excès de possessivité de son mari, la jeune femme s’enfuit un jour de 1937, échappant par une ruse à ses griffes. Elle aurait drogué la domestique censée la surveiller et endossé ses vêtements pour passer inaperçue pendant son échappée.

Des rôles de séductrice exotique

Direction Paris, puis Londres, où la jeune femme rencontra le fameux patron de la célèbre Metro Goldwyn Mayer, Louis B. Mayer en personne. Son instinct pour dénicher les futures stars de son studio lui souffla sans doute de faire signer à Hedy Mandl un contrat. La rebaptisant Lamarr, en hommage à une star du muet, Barbara La Marr, décédée en 1926 à vingt-neuf ans de la tuberculose et d’une néphrite, il lui offrit son premier film — et premier succès — à Hollywood, en 1938 : Algiers (Casbah en français), aux côtés du Français Charles Boyer.

Capitalisant sur son accent et son aura mystérieuse, le studio la fit jouer principalement des séductrices aux origines exotiques pendant la décennie des années 1940, décennie de sa gloire. Spencer Tracy, Clark Gable, John Garfield ou encore James Stewart… Tous les jeunes premiers et acteurs de renom de l’époque lui donnèrent la réplique. Son plus gros succès au box-office ? Le péplum de 1949 Samson et Dalila, de Cecil B. DeMille, face à Victor Mature.

Au début des années 1950, fatiguée de son image de vamp, Hedy se tourna vers la comédie, mais sans succès. Femme fatale un jour, femme fatale toujours… En dépit de sa popularité — le compositeur américain Cole Porter lui rendit hommage dès 1941 dans sa chanson « Let’s not talk about love » : « Let’s speak of Lamarr, that Hedy so fair, Why does she let Joan Bennett wear all her old hair » (chantée par Danny Kaye) ; et Agatha Christie l’évoqua dans Le Vallon (1946) —, sa carrière cinématographique prit doucement fin quelques années plus tard.

Sans doute l’un des peintres les plus connus de la période Art Déco, Tamara de Lempicka naquit Gurwick-Gorska, le 16 mai 1898 — 1894 selon les mauvaises langues —, quelque part dans le vaste empire russe. À Varsovie ? Ou bien à Moscou ? Les sources divergent. Une chose est sûre : son père était russe et sa mère polonaise. Évoluant dans un milieu aisé et cultivé, entre Saint-Pétersbourg, la capitale polonaise et Lausanne, Tamara profita d’une jeunesse dorée et insouciante.

En 1914, elle s’inscrivit à l’académie impériale des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg, puis épousa deux ans plus tard un avocat polonais, Tadeusz Lempicki. Leur fille Marie-Christine, dite Kizette, naquit en septembre 1916. La Révolution d’octobre mit fin à cette existence privilégiée : Tamara fuit les bolcheviks. Direction Paris. Au sein de la ville lumière, elle retrouva des cousins exilés, mais dut dire adieu à son statut social…

Tamara de Lempicka, icône des années folles

De nature audacieuse et non conformiste, Tamara de Lempicka ne se laissa pas abattre et décida d’embrasser une carrière de peintre, ambitionnant de faire de l’une de ses passions son gagne-pain. Rapidement, la jeune femme devint une figure de proue de la vie mondaine et artistique parisienne, rencontrant de nombreux modèles, qu’il s’agisse de riches industriels ou de princes russes émigrés, entre autres.

Véritable icône des années folles, elle s’affichait au bras d’hommes ou de femmes, laissant libre cours à ses penchants bisexuels et à sa folle envie d’émancipation. Son mariage, depuis longtemps une mascarade, n’y résista pas. Elle divorça de Tadeusz, mais garda son patronyme en guise de nom d’artiste.

Son style si particulier, mélange de l’art maniériste de la Renaissance et de néocubisme, transcendait un hédonisme raffiné, fait de sophistication et d’érotisme. Elle présenta sa première exposition personnelle en 1925 à Milan, où elle rencontra l’écrivain italien Gabriele d’Annunzio et son entourage d’excentriques et d’aristocrates.

En 1929, elle traversa l’Atlantique pour réaliser le portrait de la fiancée d’un riche américain à New York. Ses tableaux de gratte-ciel y furent remarqués. Puis elle exposa en Pologne, à Paris et aux États-Unis, même si sa production restait limitée.

Zsa Zsa Gabor — prononcer « jaja » — appelait tout le monde « dahlink », car elle avouait ne jamais se rappeler des prénoms. Précurseur des Paris Hilton et autres Kim Kardashian, cette actrice mâtinée de mondaine fut l’une des premières, si ce n’est la première à exceller dans l’art de la mise en scène de soi. Faire parler d’elle, rester « dans le monde », être dans les pages « people », tout pour maintenir une existence de luxe et de superficialité, en dépit bien sûr d’un réel talent, si ce n’est la chance d’être née avec une plastique agréable… Tel était le credo de Zsa Zsa Gabor.

Avec son style flamboyant, son goût démesuré pour les bijoux, de préférence en diamant, et sa passion assumée pour le mariage — neuf, soit un de plus que Liz Taylor —, la star américaine, née en Hongrie, devint une icône du glamour à l’européenne dans son pays d’adoption. Reine de la repartie, elle aurait cédé aux avances de Richard Burton, Henry Kissinger et Sean Connery, mais aurait repoussé JFK, Frank Sinatra, Elvis Presley et Henry Fonda. Celle dont le premier amant aurait été Atatürk — prétendit-elle — est décédée deux mois avant son centième anniversaire.

Star des pages people des journaux de Budapest

Sári Gabor vit le jour le 6 février 1917 à Budapest, au sein d’une riche famille juive hongroise, la deuxième d’une fratrie de trois sœurs — Magda (1915-1997) et Éva (1919-1995). Leur père, Vilmos, un militaire, avait épousé Jolie, l’héritière d’une famille de joailliers. Sur l’insistance de son père, la future star reçut son prénom en hommage à une actrice, Sári Fedák (elle-même surnommée Zsa Zsa !), alors que sa mère voulait que ce soit Zsa Zsa. C’est ce diminutif qui resta.

Les trois sœurs Gabor vécurent une enfance préservée, profitant des moyens plus que confortables de leurs parents : personnel, voyages, vacances et scolarité à l’étranger… Rien n’était trop beau pour ces jeunes filles, elles-mêmes réputées pour leur physique avantageux. Elles démarrèrent leurs frasques dès l’adolescence, ce qui leur apporta une notoriété locale via les chroniques mondaines, les ancêtres des pages « people », des journaux budapestois.

Un diamant de 10 carats pour Zsa Zsa Gabor

Après avoir fait sa scolarité à partir de treize ans dans un internat en Suisse, Zsa Zsa fut élue Miss Hongrie en 1936. Mais elle perdit son titre quand on découvrit qu’elle avait (déjà) triché sur son âge… En 1934, elle partit à Vienne, où un ténor de l’opéra, le célèbre Richard Tauber, qu’elle connaissait depuis son séjour en Suisse, lui avait proposé un rôle de soubrette dans une opérette, Der singende Traum. Ce fut là son premier rôle. Puis elle épousa en 1937 un journaliste et diplomate turc, Burhan Asaf Belge, de dix-huit ans son aîné. Pour leurs fiançailles, ses parents lui offrirent une bague sertie d’un diamant de dix carats !

Le couple vécut notamment en Turquie, mais leur union devint vite indigeste, tel un loukoum à a rose trop sucré. De retour en Hongrie, Zsa Zsa Gabor décida de quitter son pays pour Hollywood. Sa sœur Éva, mariée aux États-Unis, avait en effet démarré une carrière cinématographique. En dépit du durcissement de la législation antijuifs en Hongrie, Zsa Zsa profita de l’influence diplomatique de son futur ex-mari, à qui elle demanda le divorce une fois arrivée de l’autre côté de l’Atlantique. Magda et Jolie, qui venait de divorcer aussi, les rejoignirent peu de temps après. Une grande partie de la famille périt dans l’Holocauste, mais Vilmos vécut jusqu’en 1962.

Tout pour se faire remarquer

Débarquées à New York puis à Hollywood, les sœurs Gabor, flanquées de leur mère, omniprésente, firent sensation. Comme en témoigna des années plus tard l’animateur de télévision Merv Griffin dans son autobiographie, elles firent leur apparition dans les chroniques mondaines des journaux d’un seul coup et avec grande force, comme tombées du ciel. Décidée à continuer à vivre dans le luxe, Zsa Zsa Gabor exploita sans vergogne ses atouts physiques pour faire parler d’elle, voire faire scandale autant que possible, bref, se fait remarquer.

Dès 1942, elle épousa Conrad Hilton, de trente ans son aîné, le fondateur de la fameuse chaîne hôtelière et l’arrière-grand-père de Paris. Leur fille unique, Constance Francesca (et le seul enfant de l’actrice), naquit le 10 mars 1947. D’après Zsa Zsa, l’enfant fut le fruit d’un viol marital, la petite fille ayant été conçue alors que le couple était déjà séparé. Ils divorcèrent quelques mois après cette naissance. D’après l’actrice, Conrad était si possessif qu’il demanda à sa femme de se faire appeler « Georgia » et refusa toute référence à ses racines hongroises. La jeune femme au caractère explosif ne supporta pas longtemps d’être étouffée ainsi.

Plusieurs têtes d’affiche pour Zsa Zsa Gabor

Déjà addict au mariage, la vamp Zsa Zsa Gabor épousa en 1949 en troisièmes noces l’acteur britannique George Sanders, de onze ans son aîné. Au bout de cinq ans, l’actrice, dont la carrière cinématographique prenait enfin son envol, rendit son tablier. Apparemment attiré par cette famille, Sanders épousa en 1970 Magda — dont c’était le cinquième mariage —, la sœur aînée de Zsa Zsa, mais cette union ne dura que trente-deux jours ! Après quoi, l’acteur vieillissant se mit à boire plus que de raison et se suicida en 1972 parce qu’il s’ennuyait…

C’est donc dans les années 1950 que Zsa Zsa Gabor, en dépit d’un fort accent dont elle ne se débarrassa jamais, fit ses débuts au cinéma : en 1952, elle partagea la tête d’affiche de Moulin Rouge, de John Huston, avec José Ferrer. Puis elle joua dans la comédie musicale Lovely to look at, de Mervyn LeRoy, une adaptation d’un succès de Broadway, Roberta. Enfin elle se distingua dans le film à sketchs We’re not married, où Marilyn Monroe fut également remarquée. En 1953, elle donna la réplique à Leslie Caron dans Lili.

Du grand au petit écran, et même sur les planches

Zsa Zsa Gabor joua aussi en Europe, notamment en France aux côtés de Fernandel dans L’ennemi public numéro 1, d’Henri Verneuil (1953), puis l’année suivante partagea la vedette avec Daniel Gélin dans Sang et lumières. En 1956, elle donna la réplique à son ex, George Sanders, dans Death of a scoundrel, deux ans après leur divorce. De retour à Hollywood, Orson Welles la dirigea dans son chef-d’œuvre Touch of evil (La soif du mal, 1958), puis elle fut la star de Queen of outer space, un film de science-fiction… Elle reçut la même année le Golden Globe de l’actrice la plus glamour.

Mais sa carrière cinématographique s’essouffla avec la fin des années 1950, même si on retrouva Zsa Zsa devant la caméra pour des séries Z et autres parodies comme Won Ton Ton, the dog who saved Hollywood (1976) ou Frankenstein’s great aunt Tillie (1984), où elle jouait avant tout… son propre rôle ! Tout comme dans le film d’horreur Freddy 3 – les Griffes du cauchemar (1987).

Certains semblent être nés sous une bonne étoile, avec une cuillère en argent dans la bouche. C’était le cas de la plus grande patineuse artistique de tous les temps, Sonja Henie. Une blondinette menue dont le palmarès sportif reste inégalé : elle fut triple championne olympique (1928, 1932 et 1936), dix fois championne du monde (de 1927 à 1936), et reçut six médailles d’or aux championnats d’Europe (de 1931 à 1936) — seule l’Allemande Katarina Witt détient le même nombre de trophées pour cette dernière compétition (entre 1983 et 1988)…

Un talent inné pour la glace

Riche dès le berceau, Sonja Henie le resta jusqu’à son décès prématuré en 1969, grâce à son sens aigu des affaires et son manque de scrupules en termes d’accointances plus ou moins avouables. Née le 8 avril 1912 à Oslo, la future reine de la glace était la seule fille d’un fourreur très fortuné, Wilhelm, ancien champion du monde de cyclisme sur piste en 1894. Douée pour le ski, elle laissa pourtant tomber les pistes pour la patinoire, suivant les « carres » de son frère Leif.

Athlétique, Sonja excellait aussi au tennis, à l’équitation et à la natation. La fortune de sa famille aidant, elle ne manqua de rien pour développer son talent inné pour la glace. Son père ne lésina pas sur la dépense pour faire de sa fille une star des patinoires, lui octroyant même les services d’une danseuse classique russe, l’étoile Tamara Karsavina, qui fit partie notamment des Ballets Russes de Serge Diaghilev.

Aux JO à onze ans !

L’ambition sportive de Sonja se matérialisa très rapidement ; dès dix ans, elle remporta sa première grande compétition nationale, et à onze ans, elle termina dernière (huitième sur huit) des Jeux Olympiques d’hiver de 1924. À quatorze ans, elle remporta ses premiers championnats du monde, en 1927 et fut consacrée sur la première marche du podium les neuf années suivantes ! Extrêmement populaire pendant toute sa carrière sportive, et ce dans de nombreux pays, Sonja Henie fut sans doute la première patineuse à porter une jupette, à chausser des patins de couleur blanche, et à chorégraphier ses apparitions à l’aide de pas et de gestes empruntés à la danse classique. La voici en 1928, juste après les Jeux Olympiques.

En 1936, après son dernier triomphe aux Jeux Olympiques d’hiver, en Bavière, Sonja Henie devint professionnelle et commença à se produire dans des spectacles sur glace sophistiqués. Il était enfin temps pour elle d’atteindre son objectif ultime, nourri depuis l’enfance : devenir une star de cinéma. Hollywood, nous voilà ! À l’occasion d’un show sur glace à Los Angeles, et moyennant l’influence (sonnante et trébuchante ?) de Wilhem Henie, Darryl F. Zanuck, le patron de la 20th Century Fox, engagea la jeune sportive pour un contrat de longue durée. Sonja devint même l’une des actrices les mieux payées de l’époque !